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Música Clásica y ópera de Classissima

Ígor Stravinski

viernes 26 de agosto de 2016


Ya nos queda un día menos

1 de agosto

Debussy poco impresionista por Maazel

Ya nos queda un día menosMe gusta tanto esta música que no he podido resistir la tentación de volver a escuchar este registro realizado por los ingenieros de RCA en el que Lorin Maazel dirige a la Wiener Philharmoniker, en la Musikverein de la capital austríaca, tres de las mayores obras maestras de Debussy: La mer, Nocturnes y Jeux. Interpretaciones caracterizadas todas ellas por un virtuosismo extremo –con alguna excepción a la que más tarde haré referencia– y por un concepto que se aleja de las brumas impresionistas, para apostar por una tímbrica incisiva y un fraseo anguloso que resultan bastante atractivos. Ahora bien, los resultados son todo lo irregulares que uno se puede esperar tratándose del director franco-norteamericano. La interpretación de El mar la comenté en una discografía comparada. Escribí de ella lo siguiente: "Como era de esperar, máxime teniendo a su servicio a una orquesta tan portentosa, Maazel hace gala de su técnica de batuta regalándonos una interpretación asombrosa por su plasticidad, riqueza de colorido y admirable tratamiento de las texturas. Por desgracia, hay alguna frase un tanto redicha derivada del narcisismo marca de la casa, y además la planificación horizontal no está siempre cuidada: los respectivos finales de los movimientos extremos distan de convencer."Tras la nueva audición, me queda más claro aún que a los referidos finales les falta carácter visionario: hubiera sido necesaria una acumulación de tensiones más minuciosamente calculada. Añadiré además que el movimiento central resulta un punto más nervioso de la cuenta, aunque el carácter “espumeante” de esta pieza está por completo conseguido y la tímbrica sea de una riqueza tan abrumadora que no puede sino conducir a la fascinación, algo con lo que tienen no poco que ver las archiconocidas cualidades de la Filarmónica de Viena. Los Nocturnos recibein una interpretación trazada con excelente pulso, sin puntos muertos, impregnada de cierto aire “juvenil” y extrovertido que aporta frescura y comunicatividad. Ahora bien, Maazel parece bastante más preocupado por el trazo global que por el matiz expresivo y no termina de destilar toda la poesía necesaria. En este sentido, Nubes funciona muy bien pero podría resultar más misteriosa. Fiestas, llevada a un tempo muy rápido, resulta más un ejercicio de virtuosismo que otra cosa, y se ve lastrada por una sección central tratada por la batuta con desconcertante tosquedad. En Sirenas, no muy voluptuosa pero tímbricamente fascinante, sobresale el fenomenal trabajo del Schoenberg Choir, que juega de manera muy acertada con diferentes vocalizaciones de su parte. La joya del disco es Jeux, sin la menor duda. Mientras un Haitink apostaba por la sensualidad y el misterio, haciendo la obra aún más hermética de lo que ya lo es, y un Boulez se empeñaba en demostrar lo mucho que su propia música –en especial las Notations– deben a esta partitura, Maazel se decanta por por un trazo anguloso, unas texturas incisivas y un desarrolladísimo sentido teatral, poniendo de relieve los vínculos de esta música con El pájaro de fuego –esta conexión con Stravinsky ya la puso de relieve mi amigo José Sánchez Rodríguez en la revista Ritmo– y aportando frescura, inmediatez y comunicatividad al resultado, que a mi entender es referencial. La toma sonora recoge de manera admirable la tímbrica plateada de la extraordinaria orquesta austriaca, pero tiene un problema: al haberse realizado a un volumen más bien alto, la gama dinámica no es todo lo amplia que debiera. Aun así, disco imprescindible por la versión de Jeux. En Amazon pueden encontrar con facilidad su edición en serie barata a cargo de Sony Music.

Ya nos queda un día menos

2 de julio

Morentente y Perianes en el Maestranza: un disco que venderá muchísimo

Hace pocos años, las "prueba de diagnóstico" que realiza la Junta de Andalucía en el curso de Segundo de ESO incluyeron un examen sobre competencias en cuestiones musicales. Me pareció sonrojante gran parte del contenido del mismo –ya se sabe, Andalucía es igual a flamenco–, pero la pregunta que más me pareció fuera de lugar fue la que se incluía en un crucigrama: "apellido de una gran Estrella del flamenco hija de Enrique". ¿De verdad, señores de la Junta, creen ustedes que conocer a Estrella Morente es uno de los indicadores que nos permiten evaluar los conocimientos musicales de un chaval de trece o catorce años? Pues parece que no estamos de acuerdo en este asunto, porque en mis clases de música les hablaba a los alumnos de gente como Bach, Mozart o Beethoven, mas no de la cantaora granadina. Lo diré con claridad: no me gusta Estrella Morente. Tampoco conozco a nadie en mi entorno a quien le guste. Pero cuenta con una legión de seguidores y, al parecer, con el respaldo de nuestra clase política, que ha visto en ella una especie de punta de lanza de la promoción más allá de Despeñaperros de nuestra presunta identidad musical. Supongo que con su celebridad tiene que ver la decisión por parte de Harmonia Mundi de editar un disco dedicado a Falla y García Lorca juntando su voz con el piano de Javier Perianes, disco que aunque tardará aún algunos meses en hacer su aparición, se presentaba el pasado jueves 30 en el Teatro de la Maestranza. Y allí, comprando una entrada a última hora, hice acto de presencia. Lo que me encontré fue lo mismo que en Úbeda en 2012, cuando ya tuve la oportunidad de escucharle a la Morente las Canciones populares españolas: una voz bonita pero de tamaño imposible para un auditorio, y que por tanto tiene que cantar amplificada, en manos de una diva con todas las de la ley –en Sevilla haciendo gala de una gestualidad ridícula en grado superlativo– que en este repertorio intenta llegar a un punto de encuentro entre su propia personalidad y lo que presuntamente demandan las partituras recopiladas por Federico García Lorca, con el resultado de que se alternan momentos de enorme belleza, por lo general los más intimistas, con otros más bien sosos, dichos sin gracia y sin salero, sin variedad de acentos expresivos, trufados aquí y allá por descontroles varios y alguna salida de tono. Lo mismo se puede decir de las Siete canciones populares españolas de Manuel de Falla. Y que conste de que no soy de los que piensan que esta música no se debe hacer en plan folclórico. Todo lo contrario: hace años se las escuché en directo –y sin micrófono– a Rocío Jurado y me gustó mucho. No es problema de estilo sino de voz, de personalidad, de sinceridad en la expresión. De arte, en definitiva. Insisto en que la Morente no carece de sensibilidad y llegó a ofrecer momentos muy apreciables, alguno de ellos subyugante, pero a nivel global su interpretación no me convence. Y el "ay" con que cerró el "Polo" es una de las cosas más desafortunadas que yo jamás haya escuchado en un teatro. Se preguntarán ustedes por qué acudí a este recital si no me gusta la Morente. Fácil: por Javier Perianes. Solo por escucharle en solitario las Cuatro piezas españolas de Manuel de Falla ya mereció la pena el viaje a Sevilla. Una versión impresionante, variada a más no poder en la expresión, riquísima en la paleta de colores, concentradísima en el fraseo (¡increíble, mágica la "Montañesa"), en la que el onubense puso de relieve las conexiones con el mundo de Chopin y Debussy que tan bien conoce sin dejar de incluir clarísimos acentos hispanos aquí imprescindibles: difícil resulta escuchar una fusión entre lo "racial" y lo "europeo" tan acertada. Por supuesto, siempre desde esa óptica de amplio aliento lírico y extrema belleza sonora que caracteriza al de Nerva. Acompañó Perianes a la Morente con enorme talento, poniendo orden y derrochando musicalidad, aunque a mí lo que me soprendió fue la manera en la que nos hizo escuchar a Stravinsky en el fragmento de El amor brujo –"Canción del fuego fatuo", por descontado– que se ofreció de propina, precisamente la página en la que la cantaora estuvo más convincente. El público, todo en pie y entusiasmado cerrando una velada de la que el personal parecía salir radiante. El disco venderá muchísimo.




Cuestión de Sensibilidad

26 de junio

Pierné

Square Gabriel Pierné - París Hay Músicos, con mayúsculas, que han terminado en una fosa común, olvidados de sus coetáneos, para ascender con los siglos a los altares de los melómanos de medio orbe. Y hay otros que siendo famosos y respetados durante su vida, sufrieron el polvo del olvido pasados los años. Uno de estos últimos casos, bastante extremo, es (Henri Constant) Gabriel Pierné(1863-1937), compositor, organista y director de orquesta francés, nacido en Metz. Tras estudiar en el Conservatorio de París bajo la tutela de nombres como César Franck (órgano) o Jules Massenet (composición), comenzó su fulgurante carrera musical ganando el Grand Prix de Romecon su cantata Édith, lo que le llevaría a su adorada Italia. Volvería a París como organista en San Sulpicio, para posteriormente sustituir a su maestro César Franck en Santa Clotilde. Triunfaría también como director de orquesta dirigiendo con gran éxito los por entonces famosos Conciertos Colonne, donde estrenaría multitud de obras suyas y de sus contemporáneos como Debussy, Ravel, Stravinski, Roussel,… Tras el reconocimiento de público y crítica, fue nombrado miembro de la Academia de Bellas Artes y Caballero de la Legión de Honor. Hoy permanece bajo un manto de oscuridad incluso en su país natal. Diversas podrían ser las causas de esta situación; tal vez una reacción pendular a su propio éxito en vida, o el agotamiento de un estilo tardo-romántico que inundó el final de siglo, o su inclusión en un grupo homogéneo que algún crítico denominó “círculo de César Franck”. Pierné fue un compositor de carácter refinado y muy prolífico -tal vez otra causa de su olvido- dejando escritas varias óperas, oratorios, ballets, abundantes partituras orquestales, melodies, … Tal vez su mejor versión habita en la obra de cámara y en sus partituras para piano y orquesta. Como el Concierto para piano y orquesta en do menor op.12, donde se percibe una clara influencia de Saint-Saëns, especialmente en el precioso Scherzando que conforma su segundo movimiento: (vídeo deviantrake's channel)



Ya nos queda un día menos

29 de mayo

Tchaikovsky (muy) decibélico con la Orquesta de Murcia

Aunque acudí a la ciudad del Segura para escuchar el concierto que ofreció ayer Pinchas Zukerman, aproveché para hacer dos noches y, además de seguir conociendo el patrimonio artístico de la zona, escuchar a la Orquesta Sinfónica de la Región de Murcia en su concierto de abono del viernes 27. Programa íntegramente balletístico integrado por obras de Stravinsky y Tchaikovsky bajo la dirección del para mí desconocido maestro norteamericano Dorian Wilson. Al llegar descubrí que acababa de empezar una charla con el artista. Ante un público muy escaso y de edad bastante avanzada, dijo algunas cosas muy interesantes sobre su experiencia con Bernstein y Barshai. Por ejemplo, que el primero se consideraba al nivel de los compositores a los que dirigía, y que por ende no tenía reparos en tomarse considerables libertades con las partituras; o que en sus ensayos –los de Lenny– eran fascinantes porque se hablaba de todo tipo de temas culturales y políticos. Pero sobre todo subrayó Wilson su deuda con Gustav Meier, director austríaco al que considera su verdadero mentor y que acababa de fallecer, qué coincidencia, justo un día antes. En la primera parte hizo Wilson un fenomenal trabajo recreando el Divertimento basado en El beso del hada, alejándose de la sequedad con que con frecuencia se aborda al Stravinsky neoclásico –"neotchaikovskiano", en este caso– y ofreciendo vivacidad, sentido del ritmo y fuerza expresiva sin descuidar precisamente la claridad en las texturas, bien equilibradas y ricamente coloreadas. Otra cosa es que algunos pensemos que la partitura es un monumental ladrillo. Lago de los cisnes y La bella durmiente sí que son dos verdaderas obras maestras, y escucharlas en directo, aunque sea en sus respectivas suites, resulta un verdadero placer. Pero aquí Wilson estuvo menos afortunado. De hecho, aún no sé si me convencieron sus interpretaciones. Me gustó que hiciera uso de tempi lentos que permitieron clarificar las texturas y dejar respirar a la música; también que apostara por el pathos, por la densidad sonora y por la profundidad dramática antes que por esa ligereza más o menos delicada y amable con que a veces se aborda este repertorio; y más aún que cantara las melodías con una naturalidad y una intensidad ejemplares, porque eso potenció lo mejor de esta música. Tampoco me dejó de complacer que su sentido del humor tuviera un punto de recochineo y sana rusticidad muy convenientes. Pero no me gustó que el fraseo fuera parco en matices, que se atendiese poquísimo a la variedad de la gama dinámica y, sobre todo, que se apostase de manera decidida no ya por el forte, sino por el "megafortísimo", hasta el punto de que la acumulación decibélica llegaba a molestar. Disfruté mucho a ratos, pero por momentos me sobresalté en mi asiento. ¿Y la orquesta? Pues verán, en otras ocasiones en las que la he escuchado aprecié limitaciones, pero la noche del viernes la encontré en una muy digna forma. Más que eso: los violines ofrecieron un empaste y una belleza sonora como a pocas formaciones españolas le haya escuchado yo nunca. Y solistas hay unos cuantos muy destacables: clarinete, trompeta y arpa me gustaron especialmente. Posiblemente haya sido Wilson quien hizo que diesen lo mejor de sí, porque los músicos le aplaudieron al final radiantes de felicidad.

Ópera Perú

12 de mayo

"Carmen" de Bizet en el GTN

El vestuario es de Pepe Corzo.Ministerio de Cultura anuncia su 5ta. Temporada de Ópera con el estreno de "Carmen" de Georges Bizet.(Difusión GTN) El Ministerio de Cultura se complace en anunciar la quinta edición de su Temporada de Ópera con la puesta en escena de la emblemática Carmen de Georges Bizet, que se presentará los días 20, 25 y 27 de mayo, a las 8:00 pm, y domingos 22 y 29 a las 5:30 pm, en el Gran Teatro Nacional, con la participación del Coro Nacional del Perú, Orquesta Sinfónica Nacional y Coro Nacional de Niños.La producción será protagonizada por la mezzosoprano canaria Nancy Fabiola Herrera, quien ha interpretado este rol en prestigiosos escenarios del mundo como el Metropolitan Opera de New York y el Royal Opera House de Londres, con una creación genuina del personaje en su aspecto vocal y escénico que ha llevado a la prensa especializada a considerarla “Carmen del siglo XXI”.El reparto estelar se completa con el tenor español Eduardo Sandoval (Don José), el barítono madrileño Alfredo García (Escamillo) y la soprano peruana Jacqueline Terry (Micaela). Participan además importantes figuras de la lírica nacional como Flora Cabrera (Frasquita), Edda Paredes (Mercedes), Humberto Zavalaga (Zúñiga), Alejandro Sánchez (Morales), Xavier Fernández (Dancaire), y Wilson Hidalgo (Remendado).La dirección musical recae en la batuta del experimentado maestro Julian Kuerti (Canadá) y la escénica en Walter Neiva (Brasil), que junto a Pepe Corzo en la dirección de arte ofrecerán una visión del sugestivo ambiente gitano de la colorida Sevilla del siglo XIX, con sus fábricas de cigarrillos, sus tabernas y espectáculos de toros que enmarcan el drama amoroso entre una cigarrera y un militar.Diseño de escenografíaLas entradas están a la venta en Teleticket y la boletería del Gran Teatro Nacional, con precios que van desde los 15 nuevos soles. Estudiantes universitarios, niños menores de 12 años, jóvenes del Servicio Militar, jubilados, adultos mayores de 60, docentes de entidades públicas y miembros del CONADIS reciben el 50% de descuento.Julian Kuerti - DirectorCon una creciente reputación como notable intérprete de música orquestal y ópera, el canadiense Julian Kuerti ha pasado a ocupar un sitial destacado en la escena internacional gracias a su seguro estilo, integridad artística y pasión por la colaboración musical.Nombrado Director Principal de la Orquesta Sinfónica Universidad de Concepción (para las temporadas 2013-2015) y Principal Director Invitado de la Orchestre Métropolitain de Montréal, Kuerti se ha forjado un nombre dentro y fuera de las Américas.En Concepción dirige una variedad de programas que incluyen montajes de ópera (entre ellos, “El empresario” y “La flauta mágica” de Mozart y “La Traviata” de Verdi), así como numerosos programas sinfónicos (entre ellos, una “maratón Beethoven”, “La canción de la tierra” de Mahler y la “Gran Misa de Réquiem” de Verdi).En Europa, los compromisos de Kuerti como director invitado lo han llevado en numerosas ocasiones a trabajar con la Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín, la Sinfónica de la Radio de Frankfurt y la Sinfónica de Stavanger en Noruega. También ha dirigido conciertos de la Orquesta Real del Concertgebouw de Amsterdam, la Sinfónica de Aarhus, la Orchestre Philharmonique du Luxembourg, la Het Gelders Orkest, la Fundación Excelentia en Madrid, la Ópera de Toulon Provence Méditerranée, la Bournemouth Symphony, la RTE National Orchestra de Dublín, la Filarmónica Nacional de Rusia, la Filarmónica de Monte Carlo y la Orquesta de Cámara Sueca.En Asia y Australia, Kuerti ha trabajado con la Filarmónica de Malasia y la New Zealand Symphony. También trabaja con la Civic Orchestra de Chicago, las sinfónicas de Dallas, Cincinnati, New Jersey, Québec, Utah y Vancouver, y las orquestas de cámara de Saint Paul y Los Angeles. En 2011, hizo su debut con la New York City Opera en el Lincoln Center dirigiendo “Where the Wild Things Are” de Oliver Knussen.Julian Kuerti nació en Toronto, en el seno de una de las familias musicales más distinguidas de Canadá, siendo su padre el afamado pianista Anton Kuerti. Estudió con Michael Jinbo y Claude Monteux en la renombrada Pierre Monteux School for Conductors en Maine, con David Zinman en la American Academy of Conducting de Aspen y con el aclamado maestro finés Jorma Panula en el programa de directores del NAC en Ottawa. En 2005 fue uno de los dos becarios de dirección en el Festival de Tanglewood, donde tuvo la oportunidad de aprender en las masterclasses de James Levine, Kurt Masur, Stefan Asbury y Rafael Frühbeck de Burgos. Ese mismo año, completó sus estudios con Lutz Köhler en la Universidad de las Artes de Berlín.Kuerti fue director asistente de James Levine en la Boston Symphony y de Ivan Fischer en la Orquesta Festival de Budapest. También fue director artístico fundador y director principal del ensamble de solistas Kaleidoscop de Berlín, con quienes grabó el álbum “When We Were Trees”, con música del violonchelista y compositor Giovanni Sollima para el sello Sony/BMG. Asimismo, dirigió a los Boston Symphony Chamber Players en música de Golijov y Foss en el álbum “Plain Song, Fantastic Dances”, editado en 2011 por el sello de la Sinfónica de Boston. Nancy Fabiola Herrera - MezzosopranoLa constante presencia de Nancy Fabiola Herrera en los escenarios internacionales la convierte en una de las grandes mezzosopranos de la actualidad. Destacada por la belleza de su voz, amplio registro y su musicalidad, todo ello, junto a sus grandes dotes escénicas, ha hecho de la mezzo canaria una las artistas más relevantes del panorama operístico. Su hipnotizante interpretación de Carmen la ha llevado a ser denominada "La Carmen del siglo XXI" por la prensa especializada.Su repertorio operístico abarca desde títulos como Radamisto, Atalanta, Così fan tutte, Il barbiere di Siviglia, L'Italiana in Algeri, The Rake's Progress, Rigoletto, Die Fliedermaus, I Capuletti ed i Montecchi, Anna Bolena y Roberto Devereux hasta obras más recientes como Werther, Norma, La Favorita y Samson et Dalila. Además ha participado en los estrenos mundiales de dos óperas de Daniel Catán: Il Postino, junto a Plácido Domingo, y Florencia en el Amazonas.Dentro del repertorio de concierto ha interpretado el Requiem de Verdi, La vida breve, El amor brujo, obras de Mahler como la Sinfonía n.2, Lieder eines fahrenden gesellen y Rückert Lieder, composiciones de Berlioz (Les Nuits d’Été y La Mort de Cleopatre), la Pasión según San Mateo de Bach, la Misa en Do menor y el Requiem de Mozart, Pulcinella de Stravinsky y Shéhérazade de Ravel.La mezzo española, es graduada del Conservatorio de Las Palmas de Gran Canaria, el Real Conservatorio de Madrid, la Juilliard School de Nueva York y la Academy of Vocal Arts de Filadelfia.Ha trabajado con maestros como Daniel Oren, Marco Armilliato, Josep Pons, Fabio Luisi, Gustavo Dudamel, Juanjo Mena, Rafael Frühbeck de Burgos, Michel Plasson, Philippe Jordan, Charles Dutoit, Yaron Traub, Paul Daniels, Miquel Ortega, Brian Castles-Onion, Jesús López Cobos, Plácido Domingo, Antonello Allemandi, Pedro Halffter, Alain Guingal, Maximiano Valdés, José Miguel Pérez-Sierra, Emmanuel Villaume y Friedrich Haider, entre otros, y con directores de escena como Emilio Sagi, Lluis Pascual, Mario Pontiggia, Zeferelli y Francesca Zambello, entre muchos otros.Entre las orquestas que la han invitado a participar en sus temporadas destacan la Orquesta Sinfónica de Bremen, la del Capitole de Toulouse, la Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica de Boston, la Sinfónica de Toronto, la Orquesta del Teatro Mariinsky, la Sinfónica del SODRE y la Filarmónica de Montevideo, la Sinfónica Brasilera y la Sinfónica de Montreal, además de formaciones españolas como la de RTVE, la ONE, la Sinfónica de Valencia, la Filarmónica de Gran Canaria, la Sinfónica de Euskadi, la Oviedo Filarmonía y la Real Filharmonía de Galicia.Entre otros premios y distinciones recibidos están el galardón Pepita Embil otorgado por Plácido Domingo en el Concurso Operalia. También ha sido distinguida con el premio de la Real Sociedad Económica de Amigos del País en Gran Canaria por su trayectoria, además de reconocimientos como el de Hija Adoptiva de la ciudad de Las Palmas de Gran Canaria (junio 2005) y el de Hija Adoptiva de la isla de Gran Canaria (marzo de 2011).En su discografía se incluyen trabajos para Deutsche Grammophon, Opus Arte, Columna Música, ASV Living Era, Arte Nova y Naxos.Sus próximos compromisos incluyen Roberto Devereux en el Tchaikovsky Concert Hall de Moscú, La Vida Breve con la Cincinnati Symphony junto al maestro Juanjo Mena, Rückert Lieder de Mahler con la Sinfónica de Lima, Carmen en el Teatro Nacional de Lima, Las Golondrinas en el Teatro de La Zarzuela y Salomé (Herodias) en el Metropolitan Opera.

Ígor Stravinski
(1882 – 1971)

Ígor Stravinski (17 de junio de 1882 - 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX. Su larga existencia —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes le tildaban como un músico del porvenir: "Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente". En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz. Stravinski también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.



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